비하인드 스토리: 수세기에 걸친 10명의 아티스트 스튜디오

중세부터 오늘날까지 새 책은 수세기 동안 예술가들의 내면을 엿볼 수 있는 기회를 제공합니다. 클레어 다우디가 살펴봅니다.  수세기 동안 예술을 만드는 과정은 대중과 예술가 자신에게 매혹의 원천이었습니다. 수년에 걸쳐 작업 중인 예술가들은 그림과 사진뿐만 아니라 책의 페이지부터 고대 그리스 항아리에 이르기까지 모든 것에 묘사되었습니다. 이러한 이미지는 작가의 역할과 위상, 시대의 기법과 의례, 관람객과 관람객에 대한 태도의 변화, 변화하는 창작 환경을 조명한다.

Artist's Studio: A Cultural History에서 미술사가 James Hall은 창조 과정의 신화와 현실을 시대에 따라 예술가와 장인의 작업장의 이미지로 묘사함으로써 탐구합니다. 다음은 홀이 그의 새 책에서 소개한 가장 눈에 띄는 이미지 10가지입니다.

 

그의 가게에 있는 금세공인, Petrus Christus의 1449년(제공: 메트로폴리탄 미술관, 뉴욕/ 로버트 리먼 컬렉션, 1975년)

상점의 금세공인, 1449년

15세기에 금세공인은 귀금속을 취급했기 때문에 높은 지위를 누렸습니다. 그들이 신뢰할 수 있는지가 중요했습니다. 이를 위해 금세공인은 거짓 추를 사용하지 않았음을 증명하기 위해 저울을 상점 앞에 두고 공개적으로 작업해야 했습니다. 페트루스 크리스투스(Petrus Christus)의 그림에서 금세공인은 반지의 무게를 달아 값을 매기고 있는데 그의 무게와 치수가 완전히 보입니다. "이 그림은 모두 개방성에 관한 것입니다. 따라서 금세공인의 넓고 맑은 눈입니다. 고객은 어깨에 있고 볼록 거울은 방의 조명 수준을 높이고 작은 규모로 작업하는 금세공인을 위해 항목을 확대합니다."라고 Hall은 말합니다. BBC 문화.

작가는 이상적인 금세공인은 완벽한 비전을 가지고 있다고 강조합니다. "그리고 이 그림은 선반에 있는 꽃병과 품목과 같은 세부 사항이 비범하기 때문에 Christus 자신의 완벽한 비전에 대한 증거입니다."라고 Hall이 덧붙입니다.

작업 중인 조각가, c1503-10, 무명의 피렌체 예술가, Cristoforo Landino의 Dante's Divine Comedy 판(Credit: Biblioteca Vallicelliana, Rome)

일하는 조각가, c 1503-10

Cristoforo Landino의 Dante's Divine Comedy, 1481년 판의 주변 삽화는 무명의 피렌체 예술가의 작품입니다. 홀은 책의 페이지에서 이 그림을 발견했고 거대한 머리에 망치를 들고 일하는 미켈란젤로의 묘사라고 확신합니다. 홀은 "지금까지 알려지지 않은 조각가는 다윗을 조각하는 의기양양한 업적을 달성하는 동안이나 그 이후에야 미켈란젤로가 될 수 있다"고 적었다.

홀에 따르면, 미켈란젤로에 대한 이 묘사는 예술을 만드는 것이 편안하고 세련된 활동이어야 한다는 레오나르도의 생각을 거부합니다. 따라서 올려진 망치와 작업자의 실용적인 싱글렛으로 표시되는 물리적 힘. 작가는 상징적인 이 거대한 인물의 입을 마무리 짓고 있습니다. 홀은 "작품에 대한 칭찬의 주요 형식 중 하나는 말하는 모습이었다"고 설명합니다. 말하다."

겐지 이야기의 그림 경연(Eawase), 1509-10, Tosa Mitsunobu(제공: Harvard Art Museums/Arthur M Sackler Museum/The Hofer Collection of the Arts of Asia)

그림 경연, 1509-10

직업으로서 높은 사회적 지위가 없었기 때문에 극동에서 일하는 예술가의 묘사는 거의 없습니다. 그러나 화가들이 서로 겨루는 그림을 그리는 그림 대회( eawase )에 대한 묘사가 많이 있습니다. Murasaki Shikibu 의 겐지 이야기 (c 1000CE )에 유명한 에와세가 있고, 예술가 Tosa Mitsunobu가 1509-10년에 묘사했습니다. 홀은 전 일본 천황의 사생아인 겐지가 현 천황과 마찬가지로 뛰어난 화가이자 서예가라고 설명합니다. Hall은 "대회 결승전에서 Genji는 즉흥성과 감성으로 그린 ​​자신의 자전적 그림을 제출합니다. "그들은 남녀 신하들을 눈물로 만든다."

Apelles Painting Campaspe, c 1630, Willem van Haecht (Credit: The Mauritshuis, The Hague)

Apelles Painting Campaspe, c 1630

여기에서 Willem van Haecht가 묘사한 홈 스튜디오는 Peter Paul Rubens의 설정을 기반으로 합니다. 플랑드르 예술가는 앤트워프에 특수 목적으로 지어진 스튜디오 블록과 정원을 가지고 있었는데, 이는 관광 명소가 되었습니다. 다른 예술가들도 그 뒤를 따라 조직적인 방식으로 전시된 미술 컬렉션을 구축했습니다. "그들은 서로 다른 그림 컬렉션을 구성하기 위해 이러한 종류의 대칭을 갖는 것을 좋아했으며 때로는 공간에 맞게 잘라냈습니다."라고 Hall은 말합니다.

방문객들로 붐비는 이상적인 갤러리, 스튜디오, 작업 공간을 보여주는 새로운 유형의 묘사 중 하나입니다. 알렉산더 대왕의 궁정 화가인 아펠레스는 여기에서 빨간 머리의 루벤스로 묘사됩니다. 그는 화가 뒤에 서 있는 알렉산더 대왕의 정부인 캄파스페를 그리고 있다. "앉아 있는 동안 Apelles는 그녀와 사랑에 빠졌습니다." Hall이 설명합니다.

Las Meninas, 1656, Diego Velázquez (제공: Museo del Prado, Madrid)

1656년 라스 메니나스

Hall에 따르면, Diego Velázquez의 이 그림 은 Alcázar 왕궁에 있는 죽은 왕세자 Balthasar Carlos의 이전 아파트에 있는 예술가 자신의 작업실을 상당히 정확하게 묘사한 것이라고 합니다. 관람자는 스페인의 필립 4세와 그의 두 번째 부인인 오스트리아의 마리아나를 궁정 화가 뒤에 있는 거울에 비친 모습을 관찰할 수 있습니다. 커다란 크기와 에보니 프레임은 이 거울이 아마도 가장 비싼 제품임을 의미합니다. 5살짜리 인판타 마가리타 마리아의 은사 실크 드레스를 제외하고 말입니다. "Velázquez는 10개의 거울을 소유하고 있었는데, 이는 [그것에 대한] 매력과 부를 암시합니다."라고 Hall은 씁니다.

회화의 예술, 1666–8, Johannes Vermeer(제공: 비엔나 미술사 박물관)

회화의 예술, 1666-8

요하네스 베르메르의 이 그림을 그린 즈음에는 여성들이 예술가들의 작업실을 더 자주 방문하게 되었고 공간 자체가 더 "여성스러운 성격"이 되었다고 Hall은 말합니다. Vermeer의 Art of Painting에서는 무늬가 있는 직물과 옷, 황동 샹들리에, 다리가 회전된 예쁜 드로리프 테이블, 대리석 바닥 타일, 손으로 채색한 지도 및 벨벳, 실크 및 레이스로 장식된 호두 의자가 전시되어 있습니다. "호화로운 샹들리에를 제외하고 이러한 소품의 대부분은 다른 사진에 나타나므로 가정 용품으로 추정할 수 있습니다."라고 Hall은 씁니다. 그는 타일(값비싸고 무거운)이 스튜디오나 1층에서 발견될 가능성이 전혀 없다고 덧붙였습니다.

한편, 포피쉬 아티스트는 세련된 슬래시 더블 렛, 페인터 베레모, 볼륨감 있는 바지, 벨벳 슈즈를 신고 있습니다. 그러나 Vermeer의 화가에게는 팔레트, 여분의 브러시, 병 또는 안료가 없는 눈에 보이는 도구가 거의 없기 때문에 농담은 우리에게 있습니다. 그리고 "어떤 모델도 그 자세를 오래 유지할 수 없었습니다"라고 Hall은 말합니다. 실제로 작가는 그림 연구를 하고 마네킹을 입었을 것입니다.

두 명의 학생이 있는 자화상, Marie Gabrielle Capet와 Marie Marguerite Carreaux de Rosemond, 1785, Adélaide Labille-Guiard(제공: 메트로폴리탄 미술관, 뉴욕)

두 학생이 있는 자화상, 1785

홀은 자신과 두 제자인 마리 가브리엘 카페(Marie Gabrielle Capet)와 마리 마거리트 카로 드 로즈몽(Marie Marguerite Carraux de Rosemond)을 묘사한 프랑스 예술가 Adélaïde Labille-Guiard의 이 그림은 "그림이 편안하고 힘들이지 않고 사교적인 행사여야 한다는 레오나르도 다빈치의 열망을 거의 전형화한다"고 설명합니다. "일종의 레오나르데스크 환상"으로 이미지. 그는 페인트 한 방울도 튀지 않은 정교한 새틴 드레스와 사치스러운(그리고 유쾌하게 비실용적인) 모자를 지적합니다.

스튜디오의 진정한 혼란과 노력에 대한 유일한 양보는 나무 들것에 못을 박은 캔버스입니다. 배경에서 당신은 Labille-Guiard의 아버지의 초상화 흉상을 만들 수 있습니다. "그래서 가부장제를 완전히 뒤집는 것은 아닙니다. 그녀의 아버지는 그녀가 한 일을 승인했습니다."라고 Hall은 말합니다.

독일 화가, 1840, Carl Jacob Lindström(제공: 스톡홀름 국립박물관/ 사진 Erik Cornelius/Nationalmuseum)

독일 화가, 1840

야외에서 그림을 그리는 것은 17세기에 북유럽의 예술가들이 로마 시골에서 스케치 탐험을 시작했을 때 이탈리아에서 처음으로 인기를 얻었습니다. 네 가지 수채화 시리즈에서 스웨덴 수채화가 Carl Jacob Lindström은 이러한 추세를 풍자합니다. 각 이미지는 다른 국적을 풍자합니다. 여기에서 예술의 영성을 되살리려는 19세기 초 독일 낭만주의 화가 그룹인 "나자렛"의 차례입니다.

독일 화가는 캔버스 또는 나무 패널을 포함한 모든 그림 재료를 보관하는 그림 상자를 가지고 있으며 독일 나사렛 사람의 표준 의상을 입고 있습니다. "재미있는 것은 나사렛 사람들이 지나치게 정교한 예술에 반대했고 그는 꽃 한 송이를 그리기 위해 시골까지 왔다는 것입니다."라고 Hall은 말합니다.

그의 파빌리온 스튜디오에서 로댕, c 1902, Eugène Druet (제공: Musée Rodin, Paris)

파빌리온 스튜디오의 로댕, 1902년

수도사의 방으로 스튜디오에 대한 아이디어는 프랑스 조각가 François Auguste René Rodin과 함께 주류가 되었습니다. Eugène Druet이 여기에서 포착했습니다. 벽은 흰색으로 칠해져 있고, 거의 전체가 흰색 석고 조각과 파편으로 둘러싸여 있습니다."라고 Hall은 말합니다.

1880년대부터 로댕의 스튜디오(파리에서 기차로 20분 거리에 있는 뫼동의 빌라 드 브릴랑츠)가 그의 시대에서 가장 많이 사진에 찍혔고, 당시로서는 이례적으로 많은 장면이 미완성 작품을 보여주었습니다.

그의 도쿄 홈 스튜디오에서 스기모토 히로시 (Credit: Yasutomo Ebisu)

2019년 His Tokyo Home Studio의 스기모토 히로시

일본 건축가이자 사진작가인 Hiroshi Sugimoto(1948년 출생)는 "자신의 도쿄 홈 스튜디오에서 모더니스트의 엄격함과 정교한 다양성 사이에서 시적인 방향을 잡기 위해 노력했습니다"라고 Hall은 씁니다. 펜트하우스 아파트의 벽은 흰색 일본 석고로 코팅되어 있습니다 . Sugimoto 는 그림자를 보기에 가장 좋은 표면이라고 느꼈습니다. Hall의 경우 내부 및 발코니 정원은 일본 찻집과 찻집을 연상시킵니다. "녹차가 있는 미니멀한 승려의 응접실입니다."

스기모토는 어렸을 때 목공을 배웠고 지금은 오래된 재료와 새로운 재료를 사용하여 자신의 가구를 만들고 디자인했습니다. 복도의 바닥은 오래된 사원의 석조 기둥으로 구성되어 있습니다. 홀은 "따뜻하고 자연스러운 소재와 좋은 나뭇결로 만들어진 공간과 여백의 순수함 사이에서 행복한 매개체를 찾고 있다"고 덧붙였다.